Forte di un percorso che parte dalla formazione accademica in Conservatorio e all’Università e giunge a flirt non-tanto-occasionali con l’avant-rock, Ornella Cerniglia – pianista, compositrice e catalizzatrice di sensibilità – attraversa stili e repertori degli ultimi due secoli con la leggerezza e la sicurezza di chi vuole e sa ricomporre prassi e ascolto della musica con le nostre esperienze interiori e quotidiane.

Una ricerca, quella di Ornella, che trova la sua guida nell’attenzione alla vita, interiore e sociale, che dà forma e senso alla musica, la poesia, le arti visive, il teatro e la letteratura. Ne sono prova le esperienze quantomai diverse e affascinanti che la vedono protagonista e sodale, dall’immersione nella memoria collettiva del canto popolare (di cui è uno degli esiti la prima incisione dei Canti della terra e del mare di Sicilia di Alberto Favara) agli arrangiamenti da Syd Barrett, dalle partecipi frequentazioni delle avanguardie americane e italiane alle collaborazioni coi compositori d’oggi (delle cui musiche è spesso dedicataria e prima interprete). E ancora le musiche per la scena e lo schermo, il prediletto repertorio vocale da camera dal Novecento a oggi in duo con Irene Ientile, la complicità con l’altrettanto avventuroso artista Alessandro Librio, con cui è arrivata a duettare al pianoforte con uno sciame d’api.

Questa ricca attività trova infine una sintesi coerente nella nuova prospettiva di Ornella Cerniglia sullo strumento che più di ogni altro simboleggia tanto le grandezze quanto le asfissie di grandi tradizioni della nostra civiltà musicale: il pianoforte, riformulato come una stanza tutta per sé, finalmente riaperta dopo aver accumulato memorie, ossessioni, esperienze molteplici e splendori, tutti rimuginati, elaborati e infine condivisi in un dialogo intimo con chi ascolta.

L’attesa, nato dall’incontro inevitabile di Ornella con Almendra Music, è il titolo del suo EP di debutto solista.

“«Faccio musica dal 1986: di ogni genere, stile, derivazione e colore. A ogni nuova musica cerco di liberarmi dagli schemi e dai confini che si creano, inevitabilmente, appena ci si rilassa un po’ su quel che si crede di conoscere e (terribile e sintomatica parola!) “padroneggiare”. Scrivo musica, infatti, per quel bisogno innato, quella esigenza fisiologica, di comunicare all’Universo, ma in primis a me stesso, che esisto ed esistiamo, nonostante l’utile e i guadagni, e quindi anche nonostante le chiese che (in buona o malafede, ma fede pur sempre!) li garantiscono o vorrebbero garantire.”
[Mezz Gacano]

Mezz Gacàno è un progetto del palermitano David(e) Nino Urso Mezzatesta , figura poliedrica e integra di compositore, chitarrista, pittore, falegname certificato e carpentiere, a suo agio sia con il grindcore schiacciaossa dei Napalm Death che con la musica elettronica da installazione artistica, sia con il ghigno sardonico di Frank Zappa che con il jazz-rock serio e compito. Autore di numerosi progetti nell’ultimo ventennio, Mezzatesta è sempre al centro di operazioni ardite e diverse ma con un solido filo conduttore: quello della musica che prescinde da stili e generi dopo averli attraversati e approfonditi, tra competenza, sarcasmo e iconoclastia, il tutto condito da una robusta dose di “babbìo” (letteralmente: “scherzo”), cioè quella paradossale e indistricabile mistura di ironia e serietà, leggerezza e grevità, metafisica e corporeità, che accomuna la creatività resistente del capoluogo siciliano.

Il “progetto-oggetto” Mezz Gacano nasce nel 1997 dalle ceneri di Multimedial Stigghiolizing Enteprise (già Slapamdeus) e Tchazart, fondato da Mezzatesta tra le cittadelle industriali del Triveneto e i night club dell’Emilia Romagna. Le influenze di questo primo periodo sono Frank Zappa, King Crimson, Gong, Naked City, Mr.Bungle e Ozric Tentacles.
Tornato a Palermo Mezzatesta forma i Katerba, che nel 2000 si sciolgono per dare vita a due evoluzioni parallele, Paul Teglia & The Goodmakers of Shit e, appunto, Mezz Gacano. Questi ultimi suonano ininterrottamente per un biennio, raccolgono consensi trasversali e nel 2002 debuttano con Palòra di Boskàuz (per Sasime Records, label fondata da Mezzatesta per cercare invano di mettere ordine nella sua fluviale e composita produzione): la critica accoglie con grande interesse questo prima manifestazione discografica di Mezz Gacano, che va dal klezmer allo heavy metal più efferato, passando per digressioni pianobaristiche e cameristiche.

Nel 2003 Mezzatesta inventa una nuova formazione, in occasione della collaborazione col pittore palermitano Roberto Fontana, per far da commento sonoro ad alcune mostre/installazioni. Si tratta di Mezz Gacano & Self-Standing Ovation Boskàuz Ensemble, un’orchestra ‘variabile’ sia per struttura che per repertorio, voluta e progettata da Mezzatesta per dar vita alle ‘scritture’ più complesse e iperarticolate del suo ingombrante repertorio.

Mutato l’organico e avvicinatosi con decisione a territori Art Rock e Rock In Opposition, Mezz Gacano nel 2004 pubblica Avangandastrialopiteco (Sasime Records) in tiratura limitata. Dal 2004 al 2008 Mezzatesta (di cui Mezz Gacano è ormai diventato un vero e proprio alter ego) si dedica esclusivamente a lavori solistici come MezzGuitar e Megghiu Sulu, a musica da camera (Music for Robes, Orchestral Unfavorites), a collaborazioni esterne, dal vivo e discografiche, con artisti della free music, dell’arte contemporanea, della scena sperimentale e dell’improvvisazione radicale, come Hermann Nitsch, Philip Corner, Gianni Gebbia, Sandro Sciarratta, Lelio Giannetto, Dario Lo Cicero e l’Orchestra Xenarmonica del Bellini di Palermo, Camillo Amalfi, Michael Fischer, Carlo Actis Dato e molti altri. Nello stesso periodo Mezz rimette insieme la Boskàuz Band, che l’anno seguente registra Live @t Nino Label negli studi della Nino Label, una delle realtà produttive ‘sotterranee’ del capoluogo siciliano che, unite alla migliore libera creatività accademica, daranno vita ad Almendra Music.

Nel 2010 Mezz Gacano cambia ulteriormente formazione, avvicinandosi finalmente alle composizioni di Frank Zappa, di cui il quintetto è intanto divenuto “quasi” una banda-tributo.
Nel gennaio 2013 Mezz Gacano è invitato a elaborare un concerto monografico della sua musica con l’ensemble svizzero Zone Experimentale al festival “Capricci Capriceux” (dedicato ai giovani compositori italiani) tenutosi al Mitte di Basilea: per l’occasione è coadiuvato da Flavio Virzì e finalmente porta dal vivo un’orchestra da camera connessa a un gruppo rock con sintetizzatore analogico. Il risultato verrà documentato nell’album Froka, dapprima edito in digitale da Objet–a (l’etichetta di Gianni Gebbia) poi pubblicato da Lizard Records (storica etichetta dell’underground italiano).
Nello stesso periodo Mezzatesta fonda il Counterpeel Trio, organico di musicisti di varia estrazione con cui ha inizio “il rispolvero” della famosa “valigia dei 40 spartiti”, ovvero la rettifica e la ‘riqualificazione’ di pezzi scritti nei precedenti 15 anni da lavoratore operaio emigrato nelle fabbriche del Nordest.

Nel dicembre 2016, rientrato a Palermo, Mezz finalmente (ri)forma il Self-Standing Ovation Boskàuz Ensemble, protagonista di un nuovo album prodotto da Almendra Music e edito con Lizard Records: si tratta di Kinderheim, una sorta di “nuovo debutto” nel quale Mezz guida la sua orchestra avant-rock con il coinvolgimento di numerosi amici e colleghi, tra i quali Tommaso Leddi e Gianni Gebbia.

“La musica è un linguaggio per concetti, non per oggetti. È affermazione, negazione, corsa, stasi, affanno, solitudine, imposizione, violenza, garbo, dubbio, apertura, chiusura, ostinazione, tensione, ossessione, respiro, domanda, afflato, sinergia, convivenza, filiazione, proliferazione e milioni di cose ancora. Quando compongo ho un pensiero in testa, che, semplicemente, si palesa in termini musicali. Non ho idea di cosa voglio dire mentre compongo, solo qualche “insight” che mi aiuta a procedere con coerenza. A distanza di tempo, a brano finito, mi rendo conto che quel pezzo significa qualcosa. Potrei far finta di credere o provare qualcos’altro, perché più opportuno, perché necessario: tutti i compositori lo sanno fare, è una questione di tecnica, indispensabile per il mestiere. Ma preferisco limitarmi in questo, perché la differenza si sente. E poi non lo trovo corretto nei confronti di chi ascolta.”
[Marcello Bonanno]

Compositore e pianista nato nel borgo medievale di Erice, in Sicilia, milanese d’adozione, Marcello Bonanno si è formato a Palermo, dove si è diplomato col massimo dei voti in Pianoforte, Composizione e Direzione d’Orchestra, e ha poi proseguito gli studi a Milano con Bruno Canino e presso l’Accademia del Teatro alla Scala. Camerista di vasta esperienza nei più vari repertori, collaboratore d’elezione di solisti e strumentisti da prestigiose orchestre europee, Marcello si è dedicato anche all’improvvisazione radicale, lo si è visto nei circuiti europei in progetti di world music o al piano in jazz band concertata con orchestra sinfonica.
La sua musica, di cui spesso è protagonista il pianoforte, porta a una evoluta sintesi scuole, stili e approdi dalle avanguardie del Novecento europeo – con una certa attenzione allo spettralismo e al post-minimal – e rimandi all’armonia e al fraseggio jazz.
Molte delle sue composizioni sono ispirate a principi di matematica e fisica, e sono esito di visioni sonore da riflessioni in cui ragione ed emozione camminano di pari passo, e che Marcello cura di far arrivare all’ascoltatore con rispetto, sincerità, schiettezza, e nella ricerca di una bellezza condivisa, spesso confrontandosi con grandi questioni del nostro quotidiano: dal rapporto uomo-macchina all’ostinata permanenza degli affetti a dispetto dell’uso disumano degli algoritmi, di cui tutti oggi facciamo esperienza. Così la sua musica è insieme complessa e fruibile, e proprio per questo è sempre apprezzata da ascoltatori della più diversa estrazione.

Ha suonato, sia in veste di pianista che di compositore, presso diverse organizzazioni, come Festival dei Due Mondi di Spoleto, Associazione Musicale Lucchese, MITO settembre musica Milano, Amici della musica di Cagliari, Casa della Musica di Parma, Orchestra Filarmonica del Teatro Bellini di Catania, Festival Taormina Arte, Fondazione per la musica jazz The Brass Group di Palermo, PianoCity Milano. Ha più volte fatto parte dell’Orchestra Sinfonica Siciliana e dell’ Orchestra Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna. Ha collaborato, come pianista accompagnatore, in registrazioni per Deutsche Grammophon con Placido Domingo e i Wiener Philharmoniker al Musikverein di Vienna, e ancora con il Konzertvereinigung Wiener staatsopernChor all’Auditorium Manzoni di Bologna e con l’Università del Minnesota al Duluth Entertainment Convention Center (USA).

Marcello Bonanno è figura di riferimento per Almendra fin dalla nostra “preistoria” (ascolta, per esempio, le sue Variationes super Ave Maris Stella per il violoncello di Giovanni Sollima nell’album Sonate di Terra e di Mare), e proprio con Almendra ha deciso di produrre e pubblicare il suo primo album full lenght da pianista-compositore, “Cycles”, disponibile dal 31 marzo 2017.

Giovanni Di Giandomenico è nato a Palermo nel 1993, si è diplomato in composizione, pianoforte e direzione d’orchestra al Conservatorio della sua città d’origine, ha continuato all’Accademia Nazionale di S. Cecilia a Roma (alto perfezionamento in composizione), alla Guildhall School of Music and Drama di Londra (improvvisazione jazz e rock), e al SAE Institut di Berlino (sound engineering e music production).
Dai locali dell’underground palermitano all’Auditorium Parco della Musica a Roma, passando per il palco della NAMM Musikmesse di Mosca, fino a battute di busking per le strade di Bologna tra una prova e un concerto al Teatro Comunale, lo si può incontrare a fare musica nei contesti più vari, dal vivo e in studio, in collaborazioni con musicisti di ogni estrazione stilistica, dalla musica classica e contemporanea all’hip-hop, dal noise rock all’avant jazz, oltre ai concept liveset e DJset, le sonorizzazioni e le musiche per il teatro, le installazioni, il cinema e la videoarte.

Realizza paesaggi sonori immaginari, distopie della memoria in cui immergersi per cambiare la propria percezione del tempo quotidiano; una musica nuova in cui la consapevolezza delle tradizioni classiche, popular e delle avanguardie del ‘900 fiorisce in un mix di spontaneità, rigore, energie e intimità, orientato alla esplorazione del potenziale materico del suono, a partire dal pianoforte, integrato dall’uso di strumenti elettronici sia analogici che digitali.

Attualmente vive tra Berlino e Palermo. A Berlino ha fondato la sua label HCM col musicista elettronico Aladin Ilou e il sound artist e fotografo Marcello Cangemi. Il debutto delle produzioni HCM è “We Need“, concept album e nello stesso tempo ‘installazione sonora da camera’.

Fa parte del collettivo Almendra Music dagli esordi, e in Almendra ha debuttato nel 2012 con un primo album eponimo di sue composizioni per pianoforte solo, cui segue nel 2015 l’uscita simultanea del piano solo “Lisca” e del concept album elettronico ”Q”. Nel 2016 pubblica il full-lenght “Ambienti“, e nel 2017 “Ecuba | Ifigenia” col trio di compositori composto da Giovanni con Naiupoche e Marco Betta, alla quale segue, nel 2018, il live “Ensemble / Encore“.

Alessio Pianelli, violoncellista e compositore siciliano, classe 1989, si diploma giovanissimo con lode al Conservatorio “V. Bellini” di Palermo. Prosegue quindi la propria formazione in Svizzera, alla Hochschule für Musik di Basilea, città dove tuttora risiede dopo aver conseguito “mit Auszeichnung” il Master of Arts in Musikalischer Performance, ricevendo dal governo svizzero lo Stipendium der Schweizerischen Eidgenossenschaft. A complemento della formazione accademica partecipa a corsi e masterclass d’interpretazione e musica da camera di Vito Paternoster, Massimo Polidori, Mario Brunello, Reinhard Latzko, Maria Kliegel, Enrico Bronzi, Giovanni Gnocchi, Valentin Erben.

Luigi Fait lo definisce, ancora giovanissimo, «un asso del violoncello». Stanno a confermarlo le successive molte vittorie in concorsi nazionali e internazionali: Rassegna d’Archi di Vittorio Veneto, Premio “Bärenreiter Urtext” AMA Calabria, il Diploma d’Onore con Menzione Speciale al TIM, Concorso Nazionale di Musica “B. Albanese”, Grand Prize Ibla. Tra i suoi successi il Primo Premio e il Premio Speciale “Città di Porec” all’ International Cello Competition “Antonio Janigro” in Croazia, il primo premio e premio del pubblico allo Schenk Stiftung Wettbewerb di Zofingen e il premio 2013 della Fondazione Renzo Giubergia di Torino, oltre alle varie borse di studio assegnategli dalle fondazioni svizzere “Lyra Stiftung” e “Nicati de Luze”.

Dal 2009 ha ricoperto il ruolo di primo violoncello nell’Orchestra 1813 di Como, nell’Orchestra Davinci di Basilea e nell’Orchestra dell’Ente Luglio Musicale Trapanese.

Fin da giovanissimo condivide il palco con grandi interpreti della scena internazionale della musica classica, tra i quali M. Brunello, G. Tavares, G. Sollima, I. Monighetti, T. Demenga, S. Simionescu, V. Jacobsen, A. Oprean, F. Benda, A. Kernjak, M. Piketty, T. Schabenberger.  Suona da solista con orchestre sinfoniche e da camera quali la Jugend Basel Kammerorchester Birseck, Arkedemos ensemble, Gli Armonici, l’Orchestra 1813 del Teatro Sociale di Como, Neues Orchester Basel, l’Orchestra dell’Ente Luglio Musicale Trapanese, l’Orchestra giovanile della Sinfonica di Palermo, I Musici di Parma, l’Aargauer Sinfonie Orchester, l’Orchestra da camera Desono, Sinfonieorchester Basel e la Baden-Baden Philarmonic Orchestra.

L’attitudine di Alessio Pianelli per il dialogo e la condivisione di esperienze si realizza anche in una appassionata attività cameristica, con formazioni stabili come l’ Avos Piano Quartet e l’Ambra Piano Trio, con le quali realizza tournée e incisioni discografiche in Italia, Svizzera, Francia, Germania, Belgio e Giappone.

Il dialogo sempre aperto coi compositori coetanei e l’interesse per la musica d’oggi sono una ulteriore naturale declinazione della ricerca di Alessio, realizzata tra l’altro – nel rapporto mai interrotto con le radici siciliane – come membro stabile del Giacomo Cuticchio Ensemble, col quale ha debuttato all’Auditorium Parco della Musica a Roma dopo la pubblicazione dell’album “Quaderno di Danze e Battaglie dell’Opera dei Pupi” (Sonzogno/Egea, 2014).

Nel 2015 prende parte alle incisioni dei trii per pianoforte e del trio d’archi di Marco Nodari per la label “Concerto” e, con l’Avos Piano Quartet, i quartetti op. 47 di Schumann e op. 25 di Brahms per l’etichetta giapponese  “Livenotes Nami Records”.

Nel giugno 2016 la sua composizione “Tanzen wir!” vince il 1° premio e la Targa SIAE alla terza edizione del Concorso di composizione “In clausura” dei 100cellos al Ravenna Festival.

Alessio Pianelli contribuisce allo sviluppo della factory creativa siciliana Almendra Music dalla sua costituzione, con un primo esito nella pubblicazione di “Prélude” (Almendra Music, 2014) , album di debutto solistico, con musiche di J.S.Bach, Weinberg, Demenga (prima incisione mondiale) e Tsintsadze. In prossima uscita due nuove pubblicazioni discografiche, tra le quali, a febbraio 2017, nuovamente in Almendra Music,il nuovo album solistico, “Sulla Quarta”, che segna anche il debutto discografico di Alessio Pianelli come compositore: uno sviluppo della ricerca intrapresa in “Prélude”, con la musica nuova composta da Alessio Pianelli in dialogo con la quarta Suite di J.S.Bach e un lavoro di Giovanni Sollima in prima incisione.